lunes, 21 de diciembre de 2015

martes, 24 de noviembre de 2015

EL MARTIRIO DE SAN LORENZO



El martirio de San Lorenzo es un cuadro de Tiziano, pintado al óleo sobre lienzo desde el 1564-1567en la segunda mitad del siglo XVI. El Renacimiento italiano se inició en un período de grandes logros y cambios culturales en Italia que se extendió desde finales del siglo XIV hasta alrededor de 1600, constituyendo la transición entre el Medievo y Europa moderna y también clásica.
Los orígenes del movimiento pueden rastrearse desde inicios del s. XIV, principalmente en la esfera literaria, aunque también ya se detecta de forma incipiente algunas de sus características fundamentales, como el mecenazgo, el intelectualismo y la curiosidad por la Cultura Clásica. No obstante, muchos aspectos de la cultura italiana permanecerán en su estado medieval y el Renacimiento no se desarrollará totalmente hasta finales de siglo.
 Su estilo es el Renacimiento italiano : La península italiana nunca se había visto implicada íntimamente con la corriente internacional del Gótico. Sus manifestaciones góticas tienen un carácter muy particular, siempre más ligado a su propia tradición románica y clásica que a las evoluciones estilísticas de Francia, el gran eje rector del estilo gótico.eje más llamativo es el Humanismo como nuevo enfoque de la visión teocrática de la sociedad y el cosmos hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de cuidadoso estudio por parte de científicos, que dibujan uno a uno sus descubrimientos. La maestría necesaria para estos dibujos confundió con frecuencia el papel del científico con el del pintor, que adquiere por eso una relevancia inusitada hasta ese momento. Un pintor, además, debía de tener hondos conocimientos de mitología, historia y teología para estar capacitado en la representación decorosa de las historias que había de narrar. Este volver a centrarse en lo humano no significa en absoluto un abandono de lo divino; bien al contrario, lo divino es revisado desde la perspectiva humana para dotarlo de una mayor significación.

Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en español como Tiziano, fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como «el sol entre las estrellas», en homenaje a la línea final del Paraíso de La Divina Comedia de Dante Alighieri, Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.

La obra está pintada en óleo sobre lienzo, el óleo puede ser utilizado sobre diversos soportes, lo que apenas varía su aspecto, pero sí la preparación de dicho soporte. Los materiales más usados como base para el óleo pueden ser la tabla de madera
La tematica de este cuadro el martirio del santo que da nombre al monasterio.Utilizaba diversos efectos de luz, en este caso se propone realizar un “nocturno”. Posiblemente el de mayor calidad que realizó en su larguísima carrera.

Para lograrlo creó tres focos de luz completamente autónomos entre sí. Uno de ellos es la suave luz de la luna que vemos en la parte superior derecha. Otros son las antorchas, en el centro a la izquierda que aparecen en el altar. Y por último, en la parte inferior, la luz irradia desde las llamas que están quemando al santo. Esa luz tenue y trepidante incide todavía más en el dramatismo de la escena. En ella todo es dinámico, por las posturas, los gestos y los rostros de los personajes. La cantidad de figuras y la semioscuridad ayudan a dar la sensación de agitación y de cierto caos, aunque lo cierto es que todo en la imagen está perfectamente estructurado, a partir de una composición basada en las diagonales.El San Lorenzo es seguramente una de las obras maestras de los últimos años de producción de Tiziano y el nocturno más impresionante de su producción, donde figuras y entorno parecen fundirse en una única luz crepuscular de un gran patetismo dramático.  Las figuras adquieren una extraordinaria fuerza expresiva, gracias al empleo de esa nueva técnica pictórica, que se hace  cada vez más libre y suelta, a base de una factura absolutamente revolucionaria de ricos empastes, donde la luz se acababa mezclando con los colores de una manera inigualable en rápidos toques y ligeras veladoras. 

El lienzo de El Escorial es una réplica del realizado años atrás para los Jesuitas de Venecia, introduciendo algunas variantes. La arquitectura del fondo ha sido simplificada, el martirio ocupa un lugar más restringido y la postura del santo ha variado. La escena resulta tremendamente dinámica gracias a las escorzadas posturas de los soldados y a las diagonales con las que se organiza la composición, anticipándose al Barroco. Las figuras presentan aún una significativa herencia de Miguel Angel y la estatuaria clásica, especialmente el santo y los dos verdugos.La escena se ilumina con la luz de la luna, las antorchas y la hoguera en el que el santo es martirizado, creando intensos contrastes de luz y sombra que aumentan la violencia y el dramatismo del momento. La pincelada es rápida y abocetada, trabajando con toques de color que se suceden sin solución de continuidad, mientras que las tonalidades son cada vez más limitadas. El resultado es una obra de gran impacto visual, que causó buena impresión al monarca español ya que en sus habitaciones privadas guardaba un grabado realizado en 1571 por Cornelis Cort bajo la dirección del propio Tiziano.
IÑAKI PARDO GARCÍA

Imágenes selecionadas mediante Google Art

San Lorenzo liberando a las almas en el purgatorio- Lorenzo Di Niccolò

Descenso a los infiernos- Jaime Serra

Susana y los viejos- Tintoretto 

Los seis reinos de la existencia, la asamblea del infierno- Autor desconocido

La fiesta de la Haba del Rey- Jacob Jordanes


La Virgen del Carmen y San Miguel salvando almas en el purgatorio- Diego Quispe Tito

El ángel guardian- Luis Juárez

El martirio de San Lorenzo- Tiziano Vecellio

Calvario y episodios de la historia de la salvación - Catedral de Salamanca

 OBRA  DE ARTE: SUSANA Y LOS VIEJOS.
“Susana y los viejos”, es uno de los cuadros más conocidos del pintor italiano Tintoretto. Actualmente, se encuentra en el Kunsthistorisches de Viena, Austria. Fue pintado en 1560-1565. Esta época, es decir,  la segunda mitad del siglo XVI, se conoce como “El Siglo de Oro Español”. Fue un periodo de florecimiento del arte y la literatura en España, que coincidió con el auge político y posterior declive de la dinastía de los Austria o Habsburgo. La definición se amplió, entendiendo toda la época clásica o de apogeo de la cultura española, esencialmente el Renacimiento del siglo XVI y el Barroco del siglo XVII.


El estilo de esta época pretende destacar principalmente la evocación a lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo. Observación viva de la naturaleza.  Italia era la cuna de la pintura renacentista al confluir allí las nuevas técnicas (como la perspectiva). La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. Emplean efectos de luces y sombras (como el claroscuro o la grisalla). Se extiende el uso del lienzo.
Si en la Edad Media la pintura fue de manera casi exclusiva religiosa, en el Renacimiento se introducen nuevos temas, como los mitológicos, alegorías y temas históricos. Aparece el desnudo, como por ejemplo, la obra de “Susana y los viejos”.


Venecia siguió dando grandes pintores, con obras plenas de sensualidad y colorido. Y, ya a finales de siglo, destacó Tintoretto, con empleo de movimientos y escorzos violentos que prefigura el barroco.


El pintor veneciano (Tintoretto) pintó otros cuatro sujetos análogos, conservados en el Louvre de París, en el Museo del Prado de Madrid, en la Galería Nacional de Arte de Washington y en una colección privada no identificada.


Una de sus obras más destacadas, “Susana y los viejos”, está realizada en óleo sobre lienzo. Mide 147 cm de alto y 194 cm de ancho.


La obra, representa la historia de Susana. Susana es una joven  muy bella y temerosa de Dios, esposa del rico Joaquín, a quienes dos viejos espían en el baño. La obligan a tener relaciones sexuales con ellos, diciéndole que, si no accede, dirán que se ha quedado sola, sin sus doncellas, para estar con un joven. Susana no cede a sus amenazas. Entonces los viejos la acusan de adulterio y consiguen que se la condene a muerte. Interviene entonces el profeta Daniel quien, interrogando a los ancianos, acaba probando la falsedad de la imputación, con lo que Susana se salvó y los ancianos fueron ejecutados.


A diferencia de las tendencias moralizantes, Tintoretto eligió representar, no el momento dramático en el que los dos viejos se manifiestan abiertamente ante Susana, ni tampoco el castigo de los viejos lascivos sino otro, aún sereno, de la protagonista que se mira en un espejo en el interior de un jardín idílico, concentrándose así en el contenido erótico de la escena.


Aunque ocupe la mitad derecha de la obra, el personaje de Susana es el centro de atención, con una blancura deslumbrante bañada de luz. Es una joven de encantos en plena madurez. A la izquierda hay un seto de rosas, a cuyos extremos se encuentran los viejos. Entre Susana y ese seto aparecen toda una serie de objetos y joyas,  entre ellos el espejo donde Susana se mira, el paño de seda blanca  para secarse y un frasco de perfume de porcelana, con llamativos brillos.


La composición lleva la mirada, a través de las perspectivas de líneas de fuga hacia el fondo del cuadro, al estanque con sus reflejos en el agua y el parque más allá.


*Línea de fuga: es un sistema de proyección cónica, es el lugar geométrico en el cual las proyecciones de las rectas paralelas a una dirección dada en el espacio, no paralelas al plano de proyección, convergen.


Ania Gutierrez Lahoz 

martes, 17 de noviembre de 2015

Comentario de una obra de arte: La asamblea del infierno(JaroslawSzmaj)
1.Marco Historico
Esta obra, fue pintada en Japón en 1800-1880, aunque es una reproducción de otra del siglo XII. En esta época, Japón esta atravesando el periodo Edo; en esa época, Japón es gobernada por sumarais, los Shogunes y gobiernan a través del feudalismo.
El estilo de la obra es el tipico de las pinturas japonesas de la epoca; los rostros se pintan de blanco y se caracteriza por la sencillez con la que se representan el entorno y la situación que representa
El artista de esta obra no es conocido aunque se conoce a través del estilo que se trata de una obra de hirataka; la mayoría de las obras de arte japonesas hasta el siglo XIX están representadas de esta manera.
La obra esta realizada sobre papel de arroz, y esta pintada con pincel.
2.Marco Iconografico
La obra se titula la asamblea del infierno y es parte de una colección acerca de los seis reinos de la existencia de la religión budista, representa el castigo de aquellos que han actuado mal en vida que ,a diferencia del infierno cristiano, no es eterno, si no que son castigos de mucho tiempo hasta que el karma se renueva y se consigue ascender a una vida terrenal nueva hasta que se consiga llegar al éxtasis espiritual, conocido como nirvana, y entonces el alma conseguirá elevarse más allá de los reinos terrenales.
3.Contenido
En el cuadro encontramos a unos demonios típicos de la cultura japonesa (Típicos del sintoísmo) que los diferencian del resto de obras budistas del resto de Asia, debido a la fusión de la religión shintoista con la budista, dan a el budismo japonés, una diferenciación de la mitología de dicha religión del resto de el budismo de el continente asiático. Estos demonios están castigando a aquellos que se han acumulado mal karma al largo de la vida, hasta que consigan renovar su karma y conseguir reencarnarse en otro ser hasta alcanzar el nirvana. Podemos distinguir dos partes en el cuadro, dividido horizontalmente por una muralla, y en cada parte de ellos los condenados sufren otro tipo de castigo, arder en vida, ahogarse , ser apaleados, obligados a escalar montañas o ser cocinados, son algunas de las torturas que los demonios están realizando sobre los condenados

martes, 3 de noviembre de 2015

Durante la clase de hoy hemos estado investigando acerca de las manifestaciones acerca del cielo y el infierno al largo de siglo XXI, es decir, a día de hoy.

Uno de los ejemplos más interesantes que hemos podido encontrar es en la industria del videojuego en la cual, algunas compañías apuestan por la temática del purgatorio, en la cual el protagonista baja al purgatorio con un objetivo y por el camino se encuentra con un montón de males y de enemigos a los cuales debe enfrentarse para continuar.
Un claro ejemplo lo encontramos en juegos como El infierno de Dante;















En este juego, Dante es un templario que es asesinado durante las cruzadas, y que cuando La Muerte viene a reclamar su alma, Dante consigue vencerla y arrebatarle su arma. Cuando vuelve a Florencia se encuentra que su esposa Beatriz, a sido asesinada y condenada al infierno, en la cual, Lucifer desea casarse con ella para subir al cielo. El juego consiste en la travesía de Dante al largo de los 9 círculos del infierno, en la cual se tendrá que enfrentar a multitud de demonios para conseguir salvar a su amada.
Encontramos otros juegos como Devil May Cry, en el cual el protagonista es hijo de un demonio.
También encontramos referencias al inflamando griego; en el conocido juego God Of War el inflamando de Hades y Los Campos Eliseos son referencias constantes.

martes, 27 de octubre de 2015

Sobre el cielo y el infierno

                 

                          CIELO/INFIERNO



Ania; Para mi, el cielo, es un lugar donde esté toda la gente a la que quiero. Incluyendo claro está, a los que ya han faltado. Estaríamos todos felices sin ningún problema ni preocupación. Haría calor y nos lo pasaríamos genial. No haría falta nada material, solo estar todos juntos. Queriéndonos.
El infierno para mi, sería todo lo contrario, es decir, estaría  toda la gente que no es de mi agrado, el infierno me recuerda a fuego, a cosas malas, a calor, prefiero sin duda el cielo.

Iñaki; Para mi, el paraíso, es estar con mis amigos y con mi familia todos juntos. Sencillamente, solo eso.
El infierno, es lugar donde bajan las almas que no han tenido una vida de buenas acciones y van al infierno para una penitencia eterna.

Jaroslaw; Para mi, el cielo, es la gratificación, el descanso después de una larga vida, una recompensa espiritual del esfuerzo realizado en vida. Realmente la existencia de un ¨cielo¨ como lo suele representar el arte, si no como un periodo de éxtasis espiritual continuo y gratificante. Disfrutar de aquellas personas que no has podido disfrutar lo suficiente de su compañía en vida, por que realmente, la visualización de un cielo como segunda vida a raíz de la primera, personalmente no tiene mucho sentido, pero si creo en una muerte y después algo más, aunque no sea con nuestro cuerpo, si no como un espíritu en compañía de las demás almas que han fallecido al largo de nuestra vida, un poco como los campos elíseos de la mitología griega, destinada a las almas más excelentes.
En cambio para mi, el infierno, la palabra que mejor lo describiría, sería el término ¨purgatorio¨ pues creo que únicamente se merecen este destino las almas más corruptas. Una zona de penitencia que trata de castigar a aquellos que han hecho sufrir a los demás en vida en la cual sufren los castigos más dolorosos que se puedan imaginar.